Capivara e arco-íris

O artista pintou isso completamente da imaginação. Sua marca d'água está no quadro.

Slideshows do PG: GENTE BOA

Velhos e novos tempos

Tableu vivant ou "quadro vivo" é um arranjo de atores que posam imóveis recriando uma pintura famosa.

Entenderam ou querem que eu desenhe como nos velhos tempos?

Falcões Noturnos

Sobre este quadro, Nighthawks (Falcões Noturnos), Edward Hopper lembrou que "inconscientemente, provavelmente, eu estava pintando a solidão de uma cidade grande".
Em um restaurante aberto a noite toda, três clientes sentam-se no balcão em frente a um garçom, cada um parecendo perdido em pensamentos e desligado um do outro. A composição é bem organizada e parca em detalhes: não há entrada no estabelecimento, nem escombros nas ruas. Através de formas geométricas harmoniosas e do brilho da iluminação elétrica da lanchonete, Hopper criou uma cena serena, bela, mas enigmática. Embora inspirada em um restaurante que Hopper viu na Greenwich Avenue, em Nova Iorque, a pintura não é uma transcrição realista de um lugar real.

Infelizmente, não consigo encontrar uma fonte viável sobre a autenticidade da citação. Ainda assim, eu rio ao lembrar deste pequeno boato, que colhi ao pesquisar Edward Hopper durante uma pesquisa noturna na Internet:
7 de junho de 1942. Edward Hopper completa uma de suas pinturas mais conhecidas, a seminal Nighthawks. Quando questionado por um repórter do Chicago Tribute sobre o significado filosófico por trás do restaurante não ter saídas claramente visíveis, Hopper respondeu: "Merda. Porra. Eu fiz de novo. Droga. Porra. De novo não. Eu fiz de novo. Merda". E bateu o chapéu na perna. (TheGayestAgenda, Reddit)

O Soldado de Maratona

por Ana Margarida Arruda Rosemberg

O Museu do Louvre surpreende com sua exposição sobre as relações entre Arte, Arqueologia e História retratando os Jogos Olímpicos (JO) da Grécia Antiga e a criação dos JO da Idade Moderna.
Maratona, prova desportiva individual de corrida, não existia nos jogos da Grécia Antiga.
Ela é uma criação do francês Michel Bréal para os primeiros JO da era Moderna, de 1896, em Atenas.
Bréal baseou-se na lenda do soldado grego Fidípides, que correu 42 Km de Maratona até Atenas para anunciar a vitória dos gregos contra os persas na Batalha de Maratona, em 490 a.C.
Chegando sem fôlego no Areópago, Fidípides morreu ali depois de ter entregue sua mensagem.
Na exposição do Louvre "L'Olympisme - une invention moderne, une héritage antique" (Olimpismo - uma invenção moderna, uma herança antiga) tem uma pintura de Lyc-Olivier MERSON (1846 -1920) "Le Soldat de Marathon", 1869, que retrata essa passagem.

N. do E.

No Louvre, há também em exposição uma escultura de Jean-Pierre CORTOT (1787 - 1843), Le soldat de Marathon annonçant la victoire, 1834.

O Combate entre o Carnaval e a Quaresma

https://twitter.com/historia_pensar/status/1628132659066023936
Pintura a óleo sobre madeira produzida em 1559 por Pieter Bruegel, o Velho, mestre do Renascimento flamengo. A obra representa uma disputa simbólica entre o hedonismo e os prazeres mundanos e a abnegação e a observância religiosa. É apresentada como um panorama imaginário algo caótico, formado por um conjunto de cenas fragmentadas, e não por uma narrativa linear. A ação se desenvolve na praça central de uma cidade não especificada da Holanda, onde mais de 200 personagens se reúnem.

Sino, livro e vela

A expressão "sino, livro e vela" faz referência à excomunhão, uma punição utilizada para retirar ou suspender um crente de uma filiação religiosa. A excomunhão significa literalmente colocar alguém fora da comunhão. 

Ex.: "Seremos amaldiçoados com sino, livro e vela".

Na Idade Média, a excomunhão era pública e havia uma cerimônia em que os oficiantes fechavam o livro (dos Evangelhos), apagavam a vela e tocavam um sino, como quem diz já morreu.

Shakespeare usou a frase em King John, 1595:
BASTARDO:
Sino, livro e vela não me levarão de volta
Quando ouro e prata me chamam para ir.

"Bell, Book and Candle" é o título de um filme americano de 1958, estrelado por Kim Novak.

Acrílico "Bell, Book, and Candle"

O filme é um dos meus favoritos há muitos anos. Esta pintura não é um esforço para criar uma cena do filme, mas é inspirada no nome do filme. Foi uma tarefa difícil encontrar este sino. Por fim, encontrei-o em uma loja de antiguidades e perguntei ao proprietário se poderia “alugar” como acessório. Paguei a ele o valor total, com o acordo de que poderia tê-lo de volta, menos $ 5 do preço quando devolvesse o sino. Mas acabei mantendo o preço cheio - ainda assim, a ideia de alugar objetos em antiquários para orientar pinturas parece uma situação vantajosa para o pintor e o lojista. ~ Myke Daymon

Bom para o DBF, o Dicionário Brasileiro de Frases

A Mãe de Whistler

Internautas discutem sobre a restauração deste quadro por Mr. Bean:

"Eu acho que esta é uma réplica exata da "Mãe de Whistler". Não acho que eles usaram a pintura real durante a produção do filme, especialmente na cena em que Bean acidentalmente arruinou a pintura com seu espirro, a tinta azul de uma caneta quebrada e, o mais fino, substituiu o rosto pelo desenho de outro (de um homem careca e de nariz grande), que em nada se parece com o rosto de Anna Whistler."
"Se você acha que os cineastas usaram a pintura real para fazer este filme, então, desculpe dizê-lo, mas você é um idiota."
"Não, não acho que seja a pintura real em si, mas uma réplica exata. Eles teriam um grande problema se usassem a pintura real no filme, especialmente para aquela cena. Até agora, a pintura real está atualmente em um museu em Chicago e ainda está intacta."
"Você não assiste filmes, não é? As pessoas no filme também são atores."
"Rowan Atkinson é uma réplica exata de Mr. Bean."
"Pesquisei e acho que vocês dois estão certos: acho que a pintura é uma réplica e as pessoas são atores pagos. No entanto, tenho a mente aberta e se alguém tiver mais informações sobre isso, ainda posso mudar de ideia."
"Fica a lição: espirre sempre no lenço, nunca carregue uma caneta quebrada no bolso e nunca use diluente de laca, especialmente em pinturas de valor inestimável."
"A pintura da Mãe de Whistler era habitada pelo espírito vingativo e maligno de uma bruxa poderosa que foi afogada, baleada, esfaqueada, enforcada e finalmente decapitada. O Sr. Bean acabara de salvar a América de um espírito maligno vingativo."

Pieter Bruegel: Provérbios Flamengos

Pieter Bruegel (Breda, 1525/1530 — Bruxelas, 9 de setembro de 1569), conhecido como Pieter Brueghel, "O Velho" (para distingui-lo de seu filho mais velho), foi o primeiro de uma família de pintores flamengos. Assinou como Brueghel até 1559, ano em que retirou o "h" do sobrenome, como viria a acontecer também com seus filhos.
"O Velho", considerado um dos melhores pintores flamengos do século XVI, é o membro mais importante da família. Provavelmente, nasceu em Breda, nos Países Baixos.
Foi admitido como mestre na guilda de São Lucas com 26 anos, em 1551, e como aprendiz de Coecke Van Aelst, artista de Antuérpia, escultor, arquiteto e artífice de tapeçarias e vitrais. Foi nesta altura que Bruegel viajou para a Itália, onde produziu uma série de pinturas, a maior parte das quais representando paisagens. Sua primeira obra assinada e datada foi produzida em Roma, em 1553.
Em 1553, se estabeleceu em Antuérpia e dez anos depois mudou-se para Bruxelas permanentemente. Casou-se com Mayken em 1563, filha de Van Aelst, seu mestre.
Sabe-se muito pouco sobre a personalidade de Bruegel, para além de algumas palavras de Carel van Mander: «Era um homem tranquilo, sábio e discreto. Mas, quando estava acompanhado, era divertido e gostava de assustar as pessoas e os seus aprendizes com histórias de fantasmas e outras diabruras.»
É também conhecido como Bruegel, "O Camponês", alegadamente por ter tido o hábito se vestir como camponês, como forma de se misturar com o resto da população, em casamentos e outras celebrações, com o intuito de se inspirar para as suas criações.
Viajou pela Itália para aprender a forma de pintar dos renascentistas, permanecendo, como interno, uma temporada no atelier de um professor siciliano.
Foi um pintor de multidões e de cenas populares, com uma vitalidade tal que transborda de seus quadros. Além da sua predileção por paisagens, pintou quadros que realçavam o absurdo na vulgaridade, expondo as fraquezas e loucuras humanas, que lhe trouxeram muita fama. A mais óbvia influência sobre sua arte é de Hieronymus Bosch, _{1 2 3 4} em particular no início dos estudos de imagens demoníacas, como o "Triunfo da Morte" e "Dulle Griet".
Foi na natureza, no entanto, que ele encontrou sua maior inspiração, sendo identificado como um mestre de paisagens. Ele é muitas vezes creditado como sendo o primeiro pintor ocidental a pintar paisagens como elemento central e não como um pano de fundo histórico de uma pintura. Retratava a vida e costumes dos camponeses, sua terra, uma vívida descrição dos rituais da aldeia, da vida, incluindo agricultura, caça, refeições, festas, danças e jogos.
Utilizando abundante sátira e força, criou algumas das primeiras imagens de protesto social na história da arte. Exemplos incluem pinturas como "A luta entre Carnaval e Quaresma" (uma sátira dos conflitos da Reforma).

Fonte: Coleção História Geral da Arte

2.º Vídeo: Provérbios Flamengos (Holandeses), de Bruegel, explicados em detalhes

Grato a Nelson Cunha por trazer à tona o assunto.

Com paciência e cuspe

Um destaque da coleção da galeria de arte do Mannheim, a pintura a óleo "A execução do imperador Maximiliano do México", de Édouard Manet, está sendo cuidadosamente limpa com uma fórmula inesperada para leigos: uma solução de água destilada e saliva (artificial).

Katrin Radermacher, chefe do departamento de restauração, trabalhando com máscara e luvas no quadro de Manet.

Não houve um tal Mr. Bean, no final dos anos 90, que deu à pintura "Arranjo em cinza e preto nº 1", de James McNeill Whistler, um tratamento especial com saliva? (*)
Bem, o que a princípio soa como uma piada é, segundo Radermacher, um "método completamente sensível e sensível", desde que o material processado permita sua utilização. "A saliva é perfeitamente adequada porque contém enzimas especiais (como a α-amylase) que quebram a contaminação da superfície", explica a restauradora de Mannheim.

http://www.monopol-magazin.de/mit-geduld-und-spucke

(*) O episódio da restauração mal-sucedida do "Whistler's Mother" é uma situação isolada. Contudo, levanta a hipótese de que usar a saliva não seja muito apropriado (assim como o Thinner, claro) para o caso de um restauro pós-espirro.

Relacionadas
18/09/2018 O poder de limpeza da saliva humana
22/ 11/2019 O valor do cuspe no mundo das artesl

A lição de anatomia do Dr. Barroso

Uma paródia do chargista Renato Aroeira sobre o quadro "A lição de anatomia do Dr. Nicolaes Tulp", do pintor Rembrandt.

www.brasil247.com

Amicus curiae ou amigo da corte ou também amigo do tribunal (amici curiae, no plural) é uma expressão em latim utilizada para designar uma instituição que tem por finalidade fornecer subsídios às decisões dos tribunais, oferecendo-lhes melhor base para questões relevantes e de grande impacto.

É importante destacar que o amicus curiae é amigo da corte e não das partes. Seu desenvolvimento teve início na Inglaterra pela English Common Law e, na atualidade, é frequentemente utilizado nos Estados Unidos. A função histórica do amicus curiae é chamar a atenção da corte para fatos ou circunstâncias que poderiam não ser notados. O amigo da corte se faz necessário em casos atípicos, levando informações relevantes à discussão do caso, ampliando a visão da corte de modo a beneficiar todos os envolvidos, pois pode tornar a decisão mais justa.

C* é o símbolo do elemento químico cobre (do latim cuprum). O ácido cuprídico reage com o hidróxido de índio formando o cupreto de índio.

A mítica Cockaigne

O prêmio da cidade mais mítica e ridícula vai para o povo medieval que criou Cockaigne, (*) uma cidade utópica abundante em comida, liberdade sexual e embriaguez perpétua. Este paraíso ficcional foi formado por camponeses na Idade Média e é frequentemente considerado uma paródia do paraíso.
Os primeiros registros de Cockaigne, pronunciados exatamente como a droga favorita de tantas celebridades, você adivinhou, a cocaína, remonta ao final do século XII e é descrita como uma terra onde casas são feitas de bolos, chuvas de comida do céu e rios são feitos de vinho.
Uma das representações mais famosas desta terra de fantasia pertence ao famoso artista holandês Pieter Bruegel, o Velho, onde ele mostra pessoas deitadas na grama cercadas por alimentos prontamente disponíveis, como um porco assado e um ovo com talheres na perspectiva de serem comidos.

Pieter Bruegel, o Velho: Luilekkerland ("A Terra de Cockaigne") 

Óleo sobre painel (1567, Alte Pinakothek, Munique

http://www.tudoporemail.com.br/content.aspx?emailid=15385

(*) O termo surgiu em francês, Cocagne, Coquaigne, logo traduzido em inglês, Cockaigne, em italiano Cuccagna, em espanhol Cucaña.
http://en.wikipedia.org/wiki/Cockaigne

Uma nova heroína

Uma nova obra de arte de Banksy apareceu no Hospital Geral de Southampton.
A pintura em grande parte monocromática, de um metro quadrado, foi pendurada em um vestíbulo perto do departamento de emergência.
Ela mostra um garoto ajoelhado perto de uma cesta de lixo, vestindo macacão e camiseta.
O garoto descartou seus brinquedos de Homem-Aranha e Batman em favor de uma nova heroína de ação  - uma enfermeira do NHS.
O braço da enfermeira está estendido e apontando para a frente, à moda de um super-herói em uma missão.
Ela está usando uma máscara, uma capa e um avental de enfermeira com o emblema da Cruz Vermelha (o único elemento de cor na foto).
Bansky deixou um bilhete para os funcionários do hospital, que diz:
"Obrigado por tudo que vocês estão fazendo. Espero que isso ilumine um pouco o local, mesmo que seja apenas em preto e branco".
A pintura permanecerá no Hospital Geral de Southampton até o outono, quando será leiloada para arrecadar dinheiro para o NHS.

BBC News

NHS: National Health Service, o Serviço de Saúde Nacional do Reino Unido

+ Banksy: Steve Jobs grafitado e Arte picotada

Um Engenho de Açúcar, por Henry Koster

"Um Engenho de Açúcar", que retrata o trabalho de escravos em um engenho.

Ficheiro Wikipédia

Esta pintura encontra-se no livro "Viagens ao Brasil", publicado em 1816 pelo pintor de origem inglesa Henry Koster (1793-1820). Koster, que chegou ao Brasil em 1812, se alocou em Pernambuco, onde se tornou latifundiário e senhor de escravos. Koster também foi autor de um livro, publicado em 1816, com um título que expressa a ideologia de sua classe social: "Como melhorar a escravidão".
Agro é pop: cultivando desinformação e elogiando a escravidão, por Vinicius Alves. In: A Nova Democracia
Segundo o Ministério do Trabalho, dos mais de 52 mil trabalhadores resgatados do "trabalho análogo à escravidão" no país, entre 1995 e 2016, 22 por cento atuavam no setor sucroalcooleiro.

O valor do cuspe no mundo das artes

Uma pintura com laca sofreu 30% de danos devido à falta de conhecimento dos profissionais da área da limpeza
A pintura, "Vuon Xuan Trung Nam Bac" (Jardim da Primavera do Centro, Sul e Norte), é uma proeminente obra de arte exibida no Museu de Belas Artes da Cidade de Ho Chi Minh. No ano passado, ao limpar esta pintura, os faxineiros do Museu danificaram-na seriamente com detergente líquido, pó de polimento e lixa.

O cuspe poderia ser melhor
No artigo "Saliva humana como agente de limpeza para superfícies sujas", Paula MS Romão, Adília M. Alarcão e César AN Viana, descrevem o valor do cuspe como agente de limpeza.
In: Studies in Conservation, vol. 35, 1990, pp. 153-155.
https://doi.org/10.1179/sic.1990.35.3.153
(https://www.improbable.com/2019/05/25/the-value-of-spit-in-the-art-world/)

Parabéns aos três pesquisadores lusitanos pelo prêmio (Ig Nobel de Química de 2018) que merecidamente receberam. Suas conclusões foram validadas aqui no Blog EM desde quando eu fiz uma limpeza na tela do meu notebook. Os restauradores usam há muito tempo a própria saliva no lugar de outros solventes quando trabalham com materiais delicados como folha de ouro e cerâmica. [PGCS]
https://blogdopg.blogspot.com/2018/09/o-poder-de-limpeza-da-saliva-humana.html

O não cachimbo de Magritte

Criando um conflito entre a imagem e o texto, René Magritte expressou suas dúvidas sobre as possibilidades de representar a realidade, questionando a nossa própria percepção dela.
A língua sempre foi importante para o pintor, que disse:
"Um título legitima um quadro, completando-o."
Entre 1928 e 1929, René Magritte produziu uma série de pinturas intitulada "A Traição das Imagens" (La Trahison des Images). A mais famosa delas é a que está reproduzida acima, Isto não é um cachimbo (Ceci n’est pas une pipe), que surpreendentemente causou muita polêmica desde então, principalmente em razão de seu aparente nonsense: vê-se um cachimbo e afirma-se que não se trata de tal.
Na verdade, essa obra se presta a uma excelente reflexão sobre o papel da arte. Inicialmente, deve-se lembrar que o nome da obra não é um contrassenso, já que literalmente, ninguém fumaria o quadro. O que temos diante de nós é apenas uma imagem que representa um cachimbo e não o próprio utensílio para fumar. Em suma, não temos o objeto, mas uma imagem dele.
A mensagem que o artista quis passar, é que arte precisa ser entendida não como a realidade em que estamos, mas como uma representação desta, como um universo paralelo. Devemos analisar uma obra, de qualquer modalidade, pelo que está nela e saber que se trata apenas de uma representação.
Este quadro pode, portanto, tratar-se de um exemplo de paródia, na medida em que até a leitura da legenda, o espectador não tem dúvida que se trata de um cachimbo. Este objeto que reconhecemos como sendo, então, a representação de um cachimbo, afinal não é o que estamos a pensar. A associação que podemos fazer entre a ideia de cachimbo e aquilo que entendemos como sendo um está negada.

arte e ARTISTAS

vídeo Khan Academy

WILLTIRANDO, Cachimbo, 18/12/18

Em alguns casos não há o que problematizar(o charuto de Freud)

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Onde é que uma prova reside? No texto impresso ou no cérebro de alguém que pensa matematicamente?

A arte de Mucha

para Elda Gurgel e Silva (*)

Voltemos no tempo para o fim do século XIX - início do século XX na Europa, para o período em que a arte foi principalmente representada pelo estilo Art Nouveau. Nessa época, a arte recuperou o aspecto jovial, e as pinturas se tornaram coloridas, com exuberância de curvas, e sendo adornadas com flores e ouro.
Uma das figuras mais proeminentes do período foi o pintor checo Alphonse Mucha (1860 - 1939), não obstante à restrição que ele fazia à expressão definidora de sua arte ("O que é isso, Art Nouveau? A arte nunca pode ser nova.").
A série de painéis decorativos que você vê abaixo é uma das obras mais conhecidas do pintor. Retrata as quatro estações do ano na forma de mulheres bonitas.

Além de painéis decorativos, Mucha produziu retratos de mulheres, ilustrações de livros, cartazes de teatro, anúncios diversos, cartões postais, calendários e até mesmo capas de menus. Ele também projetou os vitrais da Catedral de São Vito, em Praga
Depois de se tornar um pintor de renome mundial, Mucha retornou a Praga, onde fez o trabalho de sua vida: uma série de vinte telas monumentais conhecidas como "A Epopeia Eslava", retratando a história dos os povos eslavos, que ele pintou entre 1912 e 1926. Esta série encontra-se atualmente em exibição na Galeria Nacional de Praga .

(*) Minha mãe Elda, fã ardorosa de Mucha. gostava de reproduzir em suas tapeçarias as telas do pintor checo.

A retratação de Galileu

Em 1633 (22 de junho), sob ameaça de tortura pela Inquisição Romana, Galileu foi forçado a "abjurar, amaldiçoar e detestar" suas visões heliocêntricas copernicanas. (*)
A retratação ocorreu no Grande Salão do antigo mosteiro de Santa Maria sopra Minerva, então a sede da Ordem Dominicana. Este é o lugar onde Galileu supostamente disse "E pur si muove" (No entanto, ela se move). Durante muito tempo, acreditava-se que essas palavras seriam uma invenção muito posterior, mas provavelmente datam de 1643 [apud Pat's Blog].

Galileu ante o Santo Ofício, pintura de Joseph-Nicolas (século 19). 
Museu de Luxemburgo

Galileu nunca foi oficialmente preso, exceto pelas poucas horas entre o julgamento e a sentença. Em 1992, o Vaticano declarou oficialmente que Galileu havia sido vítima de um erro.

(*) A oposição religiosa ao heliocentrismo surgiu de referências bíblicas como o Salmo 93: 1, 96:10 e Crônicas 16:30, que incluem texto afirmando que "o mundo está firmemente estabelecido, não pode ser movido". Da mesma maneira, o Salmo 104: 5 diz: "o Senhor colocou a terra sobre os alicerces; ela nunca pode ser movida". Além disso, Eclesiastes 1: 5 afirma que "E o sol nasce e se põe e volta ao seu lugar".

Por que essa pintura tem pequenos círculos?

É "beer painting", uma técnica que usa garrafas de cerveja no lugar de pincéis! A ideia surgiu, é claro, numa mesa de bar.

Michael Jackson

Vídeo 1
Vídeo 2

A pintura
. . . com açúcar
. . . com batom
. . . com vinho

Zalipie: vila pintada da Polônia

Zalipie, uma aldeia isolada no sudeste da Polônia, é o lar de uma tradição encantadora. Há mais de um século, as mulheres da aldeia começaram a pintar suas casas: no entanto, não o faziam com uma cor única e uniforme, como se poderia esperar de uma sociedade tradicional e conservadora. E a aldeia, graças à intrincada e vibrante pintura de suas mulheres, floresceu.

Embora ninguém esteja completamente certo de como e quando essa tradição começou, ela é de quando a fumaça dos fogões escapava por pouco mais de um buraco no teto das casas. As mulheres, então, pintavam com cal as manchas de fuligem. No entanto, as manchas ainda seriam parcialmente visíveis e acredita-se que as mulheres, para que suas casas parecessem imaculadas para as festas religiosas, passaram a cobrir os restos das manchas de fuligem com pinturas florais. Uma vez que a cozinha moderna e seus sistemas de exaustão foram incorporadas às residências, esses encobrimentos deixaram de ser necessários. Mas isso não impediu que os padrões florais se tornassem gradualmente sofisticados.

Outro nível de abstração

No rescaldo do furacão Sandy, o estúdio cavernoso  de Ray Smith no Brooklyn, em um armazém perto do Canal Gowanus, era uma gigantesca piscina interior com seis pés de profundidade. Ali, suas enormes telas figurativas e suas totêmicas esculturas de madeira flutuavam a esmo, enquanto ele e seus assistentes tentavam desesperadamente drenar o estúdio, recuperando o que podiam de 30 anos de sua arte.
Todas as obras que estavam no estúdio no momento da tempestade sofreram algum dano. "Mas há algumas de que eu agora até gosto mais", diz Smith.
E o artista aponta para uma pintura em madeira de ondas colossais e espelhadas, ondulando umas para as outras, que ficou boiando na água por vários dias. Houve uma área em que a água, ao tornar a tinta temporariamente pegajosa, acabou proporcionando um outro nível de abstração.
"Eu nunca teria conseguido este efeito", diz ele sobre a atuação da água em um quadro que representa exatamente isto: ondas. "É agora uma pintura maravilhosa", acrescenta.

[https://learning.blogs.nytimes.com/2013/03/22/word-of-the-day-irony/]
[http://www.nytimes.com/2013/03/17/nyregion/ray-smiths-work-is-rescued-after-a-hurricane.html]